Roy Lichtenstein
(sel., trad., notas)
Roy Lichtenstein
Manhattan, 27 de octubre de 1923-29 de
septiembre de 1997
Yo amaba algo gracioso que solía decir.
Disfrutaba el “estar yendo a
legar su alma a la ciencia”.
Dorothy Herzka
Algunos
datos biográficos[1]
1923. Roy Fox
Lichtenstein nace en el Flower Hospital de la calle 64 y Eastern Boulevard [hoy
York Avenue]. Son sus padres Milton (Brooklyn, 1893-1946), empleado
inmobiliario de la Garage Realty Company, y Beatrice Werner (New Orleans,
1896-1991), un matrimonio residente en el 1457 de la Broadway Ave. (en su cruce
con la calle 96, en el Upper West Side), hasta su mudanza al 305 de la calle 86
oeste, donde el artista pasa sus años de infancia.
1927. Nace su hermana Renée.
1928-1936. Asiste
al jardín de infantes de la calle 104 y West End Avenue, y a la primaria en
P.S.9, en la 84 y West End Avenue. Desarrolla un poderoso interés en dibujo y
ciencia; pasa gran parte de su tiempo diseñando aeroplanos y escuchando
programas radiales como Flash Gordon[2] y El
Mago Mandrake.
1936. Inicia el octavo grado en la
escuela privada para varones Franklin, 18 West 89th Street,
Manhattan.
1937. Se inscribe en las clases de
acuarela que se imparten los sábados por la mañana en la Parsons School of
Design de Manhattan del 66 Fifth Avenue.
1940. En
junio, se gradúa de la escuela Franklin. Julio 1-agosto 9: toma clases de
pintura con Reginald Marsh en la Art Students League (215 West 57th
Street); realiza pintura directa del modelo y estudia dibujo anatómico y
técnicas renacentistas tales como vidriado (glazing)
y bajopintura (underpainting)
aplicados a temas de la vida moderna. En otoño inicia sus estudios de bellas
artes en la Ohio State University
y toma sus primeras clases de dibujo con el Prof. Hoyt L. Sherman.
1942. Establece residencia en el 1968
de Iuka Ave. en Columbus. Copia pinturas de Picasso (v.g., el retrato de
Gertrude Stein de 1906) y de Georges Braque.
1943. En
febrero, es reclutado por la Armada, destinado al Fort Dix de New Jersey. En
marzo comienza su instrucción básica en Camp Hulen, Texas, una base de
entrenamiento contra ataques aéreos. En invierno ingresa al Programa Especial
de Entrenamiento de la Armada en ingeniería en la De Paul University en
Chicago, donde toma clases de matemática y ciencia durante dos semestres antes
de la cancelación del programa.
1944. Arriba a
la base Keesler de la Fuerza Aérea en Biloxi, Mississippi, para su
entrenamiento en el programa de pilotos. Debido a un gran número de
casualidades en la Batalla del Bulge y la consecuente necesidad de soldados
para reemplazarlos, el programa es dado por finalizado. Se reporta para reserva
activa en ingeniería en la 69º División de Infantería de la 9º Armada.
1945. En
febrero su división es embarcada rumbo a Inglaterra en el Le Jeune. En el trayecto conoce Francia y Bélgica. Combate en
Alemania. Durante el servicio dibuja paisajes y retratos de soldados y otras
gentes en sus cuadernos de bocetos. En octubre-noviembre se inscribe en las
clases de Historia y Francés de la Cité Universitaire de Paris. Sus estudios
son interrumpidos a apenas un mes y medio de iniciados por el viaje que realiza
para ver a su padre, que se encuentra gravemente enfermo. Regresa a los EUA y
se reporta al Fort Dix en New Jersey.
1946. Su padre
muere en enero. A fin de ese mes es dado de baja de la armada como recluta de
primera clase con una medalla por servicio meritorio. Regresa a la Ohio State
University para completar su grado bajo el G.I. Bill. Toma clases de pintura con Hoyt Sherman y comienza a
incorporara en su propia obra las teorías desarrolladas por su maestro en su flash lab. En junio recibe el grado de
Bachiller en Bellas Artes de la Ohio State University. En otoño ingresa al
programa de graduados de esa casa de estudios y se une al departamento de
Bellas Artes como docente. Regresa ocasionalmente a New York y comienza a
visitar galerías, especialmente las de Charles Egan y Betty Parsons en la 57th
Street. Su trabajo de ese período está basado en pinturas estadounidenses de
género, con asuntos reconocibles, pero en un estilo cubista con rasgos
expresionistas.
1948. Produce pasteles, óleos
y dibujos. Sus temas incluyen músicos y
paisajes. Inicia su recurso a los cuentos de hadas como asunto, e incluye
referencias a La Bella y la Bestia y
a Alicia en el País de las Maravillas.
1949. En marzo
recibe el grado de Master en Bellas
Artes de Ohio State University. Establece residencia en el 394 de la 15th
Avenue en Columbus. El 12 de junio se casa con Isabel Wilson, a quien había
conocido en la Galería Ten-Thirty de Cleveland, 1515 Euclid Ave., donde se
desempeñaba como co-directora. Agosto 1-31: realiza su primera exposición colectiva en la Chinese Gallery
de New York (38 East 57th Street). Dic. 12-30: nueva colectiva en la Ten-Thirty Gallery junto a obras
de dos ceramistas; pocos trabajos son vendidos.
1950. Se muda
con Isabel al 1496 de la Perry Street, Columbus.
1951-1957. Trabaja
en diversos empleos por períodos no mayores a seis meses, incluyendo docencia
en dibujo para la escuela artística comercial Cooper, dibujante de ingeniería
en la Republic Steel, vidrierista de tiempo compartido en la tienda
departamental Halle, dibujante de diales en blanco y negro para la Hickok
Electrical Instrument Company, realizando modelos proyectuales para una firma
de arquitectura. Viaja frecuentemente a New York durante estos seis años en
Cleveland. Durante su estadía en Ohio, Stanley Landesman lo presenta a Herman
Cherry y Warren, a través de quienes se anoticia del Cedar Bar de la University
Place en Manhattan. Ocasionalmente visita el lugar, frecuentado por Willem de
Kooning, Franz Kline y Jackson Pollock, entre otros, pero su gran timidez le
impide establecer contacto con alguno de ellos.
1951. Presenta
su trabajos a diversos galeristas de New York, como M. Knoedler y Sidney Janis.
Pinta Washington Crossing the Delaware I.
Entre el 21 de marzo y el 20 de mayo, entre unos doscientos trabajos
preseleccionados para la 5º Exposición Nacional
Anual de Grabado en el Brooklyn Museum of Art, su xilografía To Battle pasa a conformar la veintena de
obras elegidas por un jurado -compuesto por Josef Albers, entre otros- para
recibir el Premio Adquisición por el cual ingresar a la colección del museo.
Entre el 30 de abril y el 12 de mayo tiene su primera exposición individual en Manhattan, en la Carlebach Gallery (937
Third Avenue). La muestra incluye pinturas
y ensamblados
de madera reciclada, piezas de metal y objetos
hallados. En otoño,
junto a otros docentes, se les niega el cargo en la Ohio State University. Isabel
se emplea como decoradora en Cleveland, por lo cual la familia se muda
nuevamente, al 11483 Hessler Road, N.E.
1952. Desde el 31 de diciembre de 1951 al 12
de enero de 1952 la John Heller Gallery de New York (108 East 57th Street)
presenta una exposición individual del
artista que incluye 16 pinturas sobre temas de la
frontera estadounidense y varios autorretratos
como caballero. El folleto de la muestra cuenta con un pequeño prefacio de su maestro, el Prof. Sherman. La
pintura Death of the General aparece en
ARTnews y en Art Digest. Del 2 al 22 de marzo, exposición
individual de pinturas, dibujos y grabados
en las Art Colony Galleries de Cleveland (11504 Euclid Avenue). Un dibujo a
lápiz valuado en u$s 30.-, Knight Storming
Castle, incluye una foto de un castillo incorporada a la manera
de un collage; un crítico del Cleveland
News la describe como “verdaderamente similar a un garabato de un niño de
cinco años”. La muestra recibe un gran número de devoluciones por parte del
público, tanto negativas como positivas. En otoño presenta sus trabajos en
numerosos certámenes nacionales y regionales, por lo que son exhibidos, entre
otros, en el Denver Art Museum, la University of Nebraska, el Metropolitan
Museum of Art y la Pennsylvania Academy of the Fine Arts.
1952-1953.
Incorpora títulos y copias de publicidades en algunas composiciones
xilográficas y pinturas, como Emigrant Train
After William Ranney y The Explorer.
1953. Enero
26-feb. 7: segunda exposición individual
en la John Heller Gallery, conformada por óleos y acuarelas basadas en temas
estadounidenses. Una de ellas, The Diplomat,
aparece en ARTnews. Sept. 20-oct. 3:
es uno de los 50 artistas representados en la inauguración de la tercera
temporada de las Art Colony Galleries. En noviembre recibe un premio por su
xilografía Cherokee Brave en la
Contemporary Printmaking Exhibition de la Ohio State University.
1954. Se muda
al 1863 de la Crawford Street de Cleveland. Comienza a emplear una prensa
rotativa para pintar. Marzo 8-27: tiene su tercera muestra
individual en la John Heller Gallery, consistente en pinturas basadas en temas del folklore estadounidense
y otras descripciones caracterizadas por partes de maquinarias basadas en
impresiones de ingeniería. Robert Rosenblum y Fairfield Porter comentan la muestra
en Art Digest y ARTnews respectivamente. Oct. 9: nace su hijo David Hoyt
Lichtenstein.
1955. Crea
varios ensambles murales de madera pintada.
El Butler Museum of American Art (Youngstown, Ohio) compra una de sus pinturas,
The Surrender of Weatherford to Jackson,
primero de sus trabajos que ingresa a la colección de un museo. Enero 9:
inaugura una colectiva en Art Colony
Galleries con Christine Miller y Louis Penfield, donde expone 13 pinturas,
entre ellas Indians, A
Flying Device, y Perpetual
Motion Machine; un crítico las describe como “similares a Klee y
sorprendentes”. Abril 6: el Washington Crossing
the Delaware de Larry Rivers es comprado por el MoMA.
1956. Crea la
litografía Ten Dollar Bill, primer trabajo
“proto-Pop”, en una edición de 25 copias. Marzo 10: nace su hijo Mitchell
Wilson Lichtenstein. Sept.: toma el puesto de profesor asistente en la State
University of New York en Oswego, donde se muda al número 52 de la Church St.
Comienza a acudir al estilo expresionista abstracto en su pintura, lo que
incluye personajes de historieta como Mickey Mouse, el pato Donald y Bugs
Bunny.
1959. Junio
2-27: as abstracciones sin título se exponen por primera vez en una individual en Condon Riley Gallery (24 East 67th
St.); la mayor parte de las pinturas son trazos de colores brillantes sobre
fondo blanco en pesados empastes.
1960. Renuncia
a la State University of New luego de aceptar otro cargo en el Douglass
College. Muda cas y estudio al 66
South Adelaide Avenue, Highland Park, New Jersey. En otoño,
a través de Allan Kaprow, su colega en Rutgers, conoce a Claes Oldenburg, Lucas
Samaras (hasta el año anterior, alumno de Kaprow), George Segal (quien se
hallaba completando su grado como Magister en Bellas Artes) y Robert Whitman; a
través de Robert Watts, otro profesor del departamento, conoce a George Brecht,
Geoffrey Hendricks, Dick y Allison Higgins, y George Maciunas, artistas que se
comprometerán con el grupo Fluxus. En
septiembre comienza a dar clases de pintura y dibujo para adultos los sábados
por la maniana en el Centro de Fotografía y Arte de la Universidad de
Princeton. Asiste a algunos de los happenings informales de Kaprow en Rutgers.
Lleva algunas de sus pinturas abstractas a la galería de Leo Castelli (44 East
77th St.), donde también las ve quien en ese momento es Mrs.
Castelli, Ileana Sonnabend. Deja la galería John Heller.
1961. En enero muestra a Kaprow sus pinturas semiabstractas con
figuras de historieta fijadas en pintura. Enero 11-27: muestra en Douglass College 12 pinturas abstractas
realizadas por aplicación de cintas de pintura con una sábana rasgada; un
trabajo está pintado sobre varias piezas de un embalaje de terciado para
heladera unidas por clavos. En el verano pinta Look
Mickey, primera pintura donde se apropia directamente de una
viñeta de tira de historietas, utiliza el sistema de puntos de Benday
(aplicados con un cepillo para perros de cerda plástica embebido en pintura al
óleo), al globo de diálogo y con obvias marcas de lápiz. Comienza a realizar
los puntos con stencil y rodillo sobre una pantalla de metal realizada a mano y
luego un pequeño cepillo para extender la pintura en ellos. Realiza sus
primeros trabajos tomando imágenes de publicidades, como Keds y Washing Machine. Realiza su primer tondo Laughing Cat. Realiza sus primeros dípticos, Bread in Bag y Step-on-Can
with Leg. Realiza los primeros trabajos en negro (o azul) y
blanco para imitar reproducciones impresas, como Bathroom.
En otoño, Kaprow realiza una cita para que se entreviste con Ivan Karp,
director de la Leo Castelli Gallery. Lleva
The Engagement Ring, Girl with Ball, Look Mickey, The
Refrigerator y Step-on-Can with
Leg. Karp arregla que, excepto Look Mickey, éstas sean vistas por Castelli.
Éste encuentra interesante a Girl with Ball,
y varias semanas después acuerda representar al artista, quien ve en la galería
por primera vez obras de Rosenquist y Warhol. Visita, acompañado por Karp, el
estudio de Warhol, donde ve sus trabajos sobre tiras cómicas y bienes de
consumo. Comienza una serie de dibujos en blanco y negro con tinta y bolígrafo,
como Couch, con los que continúa
hasta 1968. En octubre consigna sus primeros trabajos a Castelli. Comienza a
recibir un estipendio de u$s 400.- por mes de parte de la galería. En noviembre
Castelli vende la primera obra, Girl with Ball,
a Philip Jonson. Pronto se consolidan otras ventas a coleccionistas:
Richard Brown Baker, Walter Netsch, Burton Tremaine. A través de la galería
conoce a Rauschenberg y Johns. Juicio de separación de Isabel. Traslada
inmediatamente su casa y su estudio a Broad St., New York. Conoce a Youngerman e Indiana.
1962. Vuelve a
vivir y trabajar en Highland Park. Comienza a utilizar magna, una pintura
acrílica soluble en turpentina. Crea sus primeras pinturas en close-up de
cabezas femeninas, como en The Refrigerator.
Realiza pinturas basadas en trabajos de Cézanne, como Man with Folded Arms, y Mondrian, como Non-Objective II. Pinta palabras aisladas
sobre el lienzo en Art e In, pero pronto abandona la idea. Primeras
pinturas basadas en historietas de guerra: Blam,
Takka Takka, Brattata, Whaam,
As I Opened Fire y Live Ammo. Feb. 10-marzo 3: primera muestra de pinturas en Leo Castelli: Turkey, Washing
Machine, The Engagement Ring,
The Kiss, The Refrigerator, Blam y The
Grip. Feb. 26: Newsweek publica la crítica de la muestra con la reproducción de Girl with Ball. Marzo: Art International publica
el artículo de Max Kozloff “Pop Culture,
Metaphysical Disgust, and the New Vulgarians”, primer artículo que
vincula a Roy Lichtenstein, Jim Dine, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Peter
Saul y Robert Watts como un grupo cohesivo. Abril: Donald Judd realiza la crítica
de la muestra para Arts Magazine. Abril 3-Mayo 13: The Kiss es incluido en la colectiva 1961 (Dallas
Museum for Contemporary Arts, cur.: Douglas MacAgy). Mayo 26-junio 30: sus
dibujos en tinta, como Couch, se
exponen por primera vez en la colectiva de Leo Castelli Drawings: Lee Bontecou, Jasper Johns, Roy Lichtenstein.
Inicia el uso del frottage en sus dibujos. Junio: Superman (pintura sobre la tira cómica de
Pearlstein realizada en 1952, la único que no destruyó) es expuesta por primera
vez en la colectiva de Tanager Gallery
(90 East 10th St), junto a trabajos de Wesselman y otros. Junio 15: Life
lo incluye en el articulo sobre el
nuevo arte. Agosto 6-31: en la Mi Chou
Gallery (801 Madison Ave. New York) se expone Art
of Two Ages: The Hudson River School and Roy Lichtenstein. En
septiembre ARTnews publica el artículo de Gene R. Swenson’s “The New American ‘Sign Painters’”, sobre Jim
Dine, Stephen Durkee, Robert Indiana, Roy Lichtenstein, James Rosenquist,
Richard Smith y Andy Warhol. Sept.
25-oct. 19: las pinturas de tiras cómicas y bienes de consumo se presentan por
primera vez en la costa oeste en la colectiva New
Painting of Common Objects (Pasadena Art Museum, cur.:
Walter Hopps). Oct. 25-nov. 7: se monta Art
1963-A New Vocabulary (Art Council of the YM/YWHA, 401 S. Broad
St., Philadelphia), donde pueden verse pinturas, collages, assemblages,
combines y máquinas de Brecht, Dine, Johns, Kaprow, Lichtenstein, Marisol,
Oldenburg, Rauschenberg, Rosenquist, Segal, Tinguely y Watts; el folleto de la
muestra incluye un diccionario de términos
escrito por algunos de los artistas con los fines de describir el nuevo arte.
Oct. 31-dic. 1: en la Sidney Janis Gallery se presenta International Exhibition of the New Realists, con pinturas y esculturas de Jim Dine, Yves Klein,
Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Mimmo Rotella, George
Segal, Jean Tinguely y Andy Warhol. Nov. 18-dic. 15: Takka Takka se incluye en la colectiva My Country ‘Tis of Thee en la Dwan Gallery
(10846 Lindbrook Drive, Los Angeles), junto a trabajos de Robert Indiana,
Jasper Johns, Edward Kienholz, Marisol, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg,
Larry Rivers, James Rosenquist, Andy Warhol y Tom Wesselmann. La Albright-Knox Art Gallery (Buffalo) adquiere Head-Red and Yellow para su colección
permanente.
1963. Philip Johnson encarga un mural,
primer trabajo a gran escala,para el Pabellón de New York de la Exposición
Mundial de 1964 en Flushing Meadows, New York. El artista se separa de Isabel,
quien se muda con los niños a Princeton. Licencia del Douglass College y muda
su residencia y su estudio al 36 West 26th St., Manhattan. Comienza
la serie de pinturas de mujeres tomadas de las tiras Girls’ Romances y Secret
Hearts de la editorial D.C., como Drowning
Girl y Hopeless.
Para realizar los puntos de Benday reemplaza la pantalla de metal realizada a
mano por la industrial, y emplea asistentes para realizar esa parte del
trabajo. Marzo 14-junio 2: el Guggenheim Museum presenta Six Painters and the Object (org.:
Lawrence Alloway), colectiva con trabajos de Jim Dine, Roy Lichtenstein,
Robert Rauschenberg, James Rosenquist y Andy Warhol; la muestra viaja por los
EUA. Abril: tres pinturas del artistas –entre ellas Girl with Ball- forman parte de la muestra Pop Goes! The Easel Exhibition (Contemporary Arts Museum, Houston, org.: Douglas
MacAgy). Abril 1-27: primera muestra en la
Ferus Gallery (Los Angeles), donde se muestran Sock,
Masterpiece, Sponge, Sponge
II, Portrait of Madame Cézanne, Drowning
Girl y otros trabajos de 1962-1963. Abril 18-junio 2: George
Washington, Aloha,
The Refrigerator, Electric Cord, Handshake
y Femme d’Alger se incluyen en la
muestra The
Popular Image (Washington Gallery of Modern Art, org.: Alice
Denney). Abril 28-mayo 26: la Leo Castelli Gallery envía Girl with Piano y Magnifying Glass a Popular Art: Artistic Projections of Common American Symbols
(William Rockhill Nelson Gallery of Art y Atkins Museum of Fine Arts, Kansas City).
Mayo 17: Time publica una carta
de William Overgard en la que declara que las pinturas de Lichtenstein I Can See the Whole Room... y There’s Nobody in It! Fueron tomadas del último panel de su tira cómica Steve
Roper del 6 de agosto de 1961; ambos trabajos aparecen reproducidos en la
revista. Junio 5-30: primera individual
en Europa (Ilena Sonnabend Gallery, Paris); el artista viaja para la
inauguración, primer viaje a Paris tras la guerra. Sept.: en su artículo para Artforum,
“Anti-Sensibility Painting”, Karp
utiliza el término “common-image artist” (artista de la imagen común” para
referirse a Roy Lichtenstein, Lee Bontecou, Bruce Conner, Richard Lindner,
Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Lucas Samaras, Andy Warhol y Tom
Wesselmann. Sept. 28-oct. 24: segunda individual en la Leo Castelli Gallery, que
incluye Drowning Girl, Baseball Manager, Torpedo... Los! y Whaam!. Otonio: comienza a utilizar el
retroproyector de imágenes opacas: desaparecen las marcas de lápiz. Oct.
24-nov. 23: sus trabajos pop se muestran por primer avez en Gran Bretania en The Popular Image (Institute of Contemporary
Art, 17-18 Dover St., London; org.: Alan Solomon). Nov. 19-dic. 15: la Albright-Knox Art Gallery presenta
Mixed Media and Pop Art (org.:
Gordon M. Smith), con obras de Dine, Johns, Lichtenstein, Oldenburg,
Rauschenberg, Rosenquist, Warhol y otros artistas de la colección del museo. Dic. 13: simposio sobre Pop art e el MoMA; disertan Dore
Ashton, Geldzahler, Hilton Kramer, Stanley Kutz y Leo Steinberg, con Peter Selz
como moderator; “Neo-Dada” y “New Realism” son rechazados como nombres para el
nuevo movimiento en favor del término “Pop art”; en la audiencia se cuentan
artistas como Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein, Maciunas, James Rosenquist y
Andy Warhol.
1964. Enero 31: Life publica un artículo sobre el
artista titutlado “Is He the Worst Artist in
America?” (Es el peor artista de los Estados Unidos?). Lichtenstein
reemplaza las pantallas metálicas compradas para realizar los puntos de Benday
por pantallas de papel –realizadas especialmente por él-. Comienza a hacer los
puntos de mayor tamanio en relación a las proporciones del lienzo. Crea una
serie de mujeres aterrorizadas y en llanto vistas en close-up como Frightened Girl. Comienzan a desaparecer los
globos de diálogo. Inicia serie de paisajes, como Sinking Sun, y con ello la tendencia a crear sus propias
imagenes. Comienza a incorporar plástico, Plexiglas y metal en algunos de sus
paisajes. Inspirado en los signos de metal esmaltado del subterráneo
neoyorquino crea sus primeras esculturas de acero esmaltado; encuentra una
firma comercial denominada Architectural Porcelain en New Jersey para fabricar
las piezas. Abril: la tapa de Art in
America muestra el su dibujo del
“panorama pop” de la Feria Mundial de New York, encargado especialmente para
ese número. Abril 22: inauguracion de la Feria
Mundial de New York en Flushing Meadow; el edificio del
Theaterama del Pabellón del Estado de Nueva York luce diez murales, uno de
ellos del artista; tras el cierre de la muestra en octubre, el mural es desinstalado; tras su reparación, el
mural es enviado a la Universidad de Minesotta. Junio 22-julio 26: varios
trabajos del artista son incluídos en American
Pop Art (Stedelijk Museum, Amsterdam). Junio 30: rununcia a su
cargo docente en el Douglass College. Otoño: conoce a Dorothy Herzka en la Paul
Bianchini Gallery (16 East 78th St., New York) en el transcurso de
las preparaciones para la muestra American
Supermarket, que inaugura en octubre. Compra varias cabezas de
maniquíes de yeso cerca desu estudio de la West 26th Street,
distrito sombrerero de New York, y crea Head of
Girl. Oct. 24-nov. 19: Temple of
Apollo, primera pintura con referencia a la cultura clásica, se
expone en la Leo Castelli Gallery junto a varios paisajes y trabajos
esmaltados. Nov. 24: individual de sus
paisajes en la Ferus Gallery de Los Angeles.
1965. Se divorcia de Isabel, quien recibe la custodia de los
niños. Se muda a 190 Bowery, donde fija residencia y estudio en un almacén de
nueve espacios, antes un banco alemán construido en 1917. Adolph Gottlieb vive
en el mismo edificio; otros vecinos del barrio son Malcolm Morley, Louise
Nevelson y Mark Rothko. Realiza un grupo de esculturas basadas en imágenes de
explosiones representadas en revistas de historietas, como Small Explosion. Inicia su colaboración con
el ceramista Hui Ka Kwong, colega de Rutgers, con quien crea una serie de
cabezas cerámicas como Head with Red Shadow,
Head with Blue Shadow y Head with Black Shadow. Juntos crean otra
serie de tazas con plato y juegos de teteras como
2 Stacked Cups y Ceramic Sculpture 5. Experimenta con motivos
modernos en su poster para la Asociación
de Historietistas en la Feria Mundial. Se publica el primer libro dedicado al
movimiento, Pop Art, de John
Rublowsky, con obras de Lichtenstein, Oldenburg, Rosenquist, Warhol y
Wesselmann. En enero, el Stedelijk Museum compra
As I Opened Fire para su colección permanent. En otoño deja de
trabajar con piezas cerámicas. Crea su primera pintura de la serie de Pinceladas. Nov. 20-dic. 11:
Leo Castelli Gallery expone la serie de las Pinceladas
y las piezas cerámicas. Dic.: es entrevistado por David Sylvester para
el programa televisivo Third Programme de la BBC.
1966. Deja
de incluir palabras en sus pinturas. Crea
varias obras con chorreados y borrones de pintura sobre fondo de papel gráfico
grillado, como Yellow and White Drip on Graph y White Drip on Red and Black Graph.
Ilustra la tapa del 25 de abril de Newsweek,
número totalmente dedicado a “La Historia del Pop”. En verano diseña el poster del 4º Festival Cinematográfico de New
York (sept. 12-22) con motivos del Hollywood de la década de 1930. Junio
18-oct. 16: representa a su país en la 33º Bienal
de Venecia junto a Helen Frankenthaler, Kelly y Jules Olitski
(org.: Geldzahler). En otoño realiza los primeros experimentos haciendo
pinturas collage con vinilo y Rowlux.
Comienza a utilizar motores encubiertos y dispositivos luminicos en sus
collages Rowlux. Oct. 1: la Leo
Castelli Gallery ofrece a la venta ochocientas piezas de porcelana blanca y
negra diseñadas por el artista y producidas por Durable Dish Co a un precio de
u$s 40.-/50.- la media docena de platos. Nov. 4-dic. 1: Works by Roy
Lichtenstein, primera individual en un museo, el Cleveland
Museum of Art (org.: Ed Henning).
1967. Enero: la Tate Gallery compra Whaam! Abril: Arts Magazine publica el
artículo de Dalí “How an Elvis Presley Becomes a Roy Lichtenstein”. Abril
18-mayo 28: primera retrospectiva
itinerante (Pasadena Art Museum con el Walker Art Center de Minneapolis; org.:
John Coplans). Primer catálogo de una
individual del artista. Verano: con unos amigos alquila la casa de Rivers en
Southampton. Otonio: con Guild Hall en Paramus, New Jersey, crea una serie de
esculturas de bronce, espejo, vidrio entintado, mármol, aluminio y otros
materiales, como Modern Sculpture with Glass
Wave. Nov. 4-dic. 17: el Stedelijk Museum presenta su primer retrospectiva en Europa (org.: E.L.L. de Wilde;
cur. En jefe: W.A.L. Beeren); la muestra recorre otros tres museos.
1968. Realiza la primera de las pinturas de marco estirador,
como Stretcher Frame with Cross Bars III. Primera
pintura modular por repetición de patrones de disenio, como Modular Painting with Four Panels #1 y Modular Painting with Nine Panels. Enero 6-feb. 4: la
Tate Gallery presenta Roy Lichtenstein
(una version de la muestra del Stedelijk Museum; org.: Richard Morphet), primer
muestra del museo dedicada a un artista americano vivo. Mayo 24: la tapa de Time
muestra Robert F. Kennedy,
pintura encomendada para tal fin. Junio: Maurice Tuchman, curador del L.A.
County Museum of Art, lo invita a participar de su muestra Art and Technology a inaugurar en 1971; el
artista propone crear un film basado en una serie de tomas del rostro de una
mujer expuesto a fuentes lumínicas e alternancia; la propuesta se altera
durante su residencia en LA el año entrante. Junio 21: la tapa de Time muestra
el rendimiento de un arma realizado por el artista (basado en si pendón caído Pistol) en su cobertura de la historia “The
Gun in America”. Verano: visita el Pasadena Art Museum con el curador John
Coplans; ve las pinturas constructivistas de cabezas del expresionista alemán
Alexei Jawlensky; discuten la idea de una muestra sobre pinturas seriales.
Comparte casa con amigos en Wooley St., Southampton. Sept. 17-oct. 27.
Ve la muestra Serial Imagery de Copland en el Pasadena Art Museum;
inspirado por los trabajos de Monet incluidos en la muestra inicia sus
litografías de Haystack y la Catedral de Rouen. Nov. 1: se casa con
Dorothy Herzka.
1969.
Enero-julio:
completa su primera serie de estampas (seis litografías Haystack y siete Rouen Cathedral) en Gemini G.E.L. en colaboración con el maestro impresor
Kenneth Tyler. Feb. 3: inicia
una estadía de dos semanas en los Universal City Studios, en la que trabaja en
films para la exposición Art and Technology.
Verano: nuevamente comparte casa con amigos en Wooley St., Southampton. Filma
en color y en blanco y negro nubes, el océano y peces tropicales en un tanque.
Regresa a los Universal Studios con su rodaje y agrega varias tomas de su
archivo. Regresa a Southampton a completar los tres films de paisajes marinos
para la Art and Technology. Sept.: American Vogue publica el artículo de
David Sylvester “The ironic Lichtenstein who takes
soulful subjects and paints them with cool”. Sept. 19-nov. 16: primera retrospectiva
neoyorquina de sus pinturas y esculturas (Guggenheim Museum, org.: Waldman); la
muestra viaja a otros museos estadounidenses. El Guggenheim adquiere Preparedness, primer obra del artista que
ingresa a la colección del museo. Otonio: crea su primer pintura Mirror, y comienza la serie Pyramid. Waldman publica la primera monografía sobre sus dibujos y pinturas.
1970. Marzo 15-sept.: se exhiben dos films de paisajes marinos poyectados en pantalla para 35 mm. en la muestra organizada por Maurice Tuchman en el Pabellón Estadounidense de la Expo ’70 (Osaka, Japón). Encuentra casa en Southampton, donde fija residencia permanente y estudio el anio entrante. Oct.: termina los dibujos para un enorme mural de 12 x 245 pies continuo sobre cuatro muros de la Escuela de Medicina de la Universidad de Düsseldorf; su asistente Carlene Meeker ejecuta el mural con la asistencia de varios estudiantes de la universidad. Nov. 18: Big Painting No. 6 es vendida en substa al marchand alemán Rudolf Zwirner por u$s 75.000.-, valor record para un artista vivo.
1971. Inicia la serie Entablature
en blanco y negro. Comienza a preparar sus propias telas. Marzo
13-abril 3: la serie Mirror es
expuesta por primera vez en la Leo Castelli Gallery. Mayo 10-agosto 29: se
exponen dos films de paisajes marinos en la muestra Art and Technology (L.A. County Museum of
Art). Mayo 12: el artista es presentado a la American Academy of Arts and
Sciences (Boston).
1972. Waldman publica la primer monografía
sobre sus pinturas y esculturas. Comienza su serie de Naturalezas Muertas (que continúa hasta
1975). Incrementa el uso de las bandas diagonales en lugar de los puntos
Benday. Comienza a incorporar citas de su propia obra en sus Naturalezas Muertas. También comienza a
incorporar referencias al trabajo de Matisse.
1973. Inicia la serie de Naturalezas
Muertas en trompe-l’oeil y cubistas; primer uso del
patrón que simula veta de madera. Otoño: inicia la serie del Estudio del Artista (que continúa hasta
1974); incorpora citas de sus pinturas y dibujos de inicios de la década de
1960. Crea varias pinutras que muestras la filiación con De Stijl
y el Constructivismo ruso.
1974. Inicia sus trabajos filiados al Futurismo italiano, una
nueva serie de Entablatures utilizando
colores metálicos y mezcla de pinutura y arena para resaltar la textura de la
superficie. Sept.: Modern Head,
una escultura de metal, madera y poliuretano de 30 pies de altura realizada en
Lippincott, una fundición en Connecticut, es instalada en el Santa Anita
Fashion Park de Arcadia, California (removida en oct. 1988).
1975. Inicia la serie de pinturas basadas en los puristas
Charles-Édouard Jeanneret (Le Corbusier) y Amédée Ozenfant (que continúa hasta
1976).
1976. Pinta Office Still Lifes basado en ilustraciones de
periódicos sobre objetos de oficina y mobiliario comercial. Completa la serie
final de Entablature Paintings.
Crea varios autorretratos de estilo
futurista. Warhol realiza un retrato serigráfico del artista.
1977. Serie de pinturas basadas en trabajos de Ernst, Magritte,
Picasso y Dalí. Primeras esculturas de bronce pintadas y patinadas, con
asistencia de Carlos Ramos y dos fundiciones, Lippincott y Tallix, en Beacon,
New York. Grandes esculturas de exterior: Lamp,
para la Gilman Paper Company de St. Mary’s, Georgia. El 26 de abril es
galardonado con la Medalla Skowhegan para la disciplina pintura. El 13 de mayo
recibe el Doctorado en Bellas Artes del California Institute of the Arts,
Valencia. En junio BMW le encarga para la competencia de Le Mans el
diseño exterior de su auto de carrera
3201.
1978. Diseña la tapa del
catálogo de la muestra Art about Art (The Whitney Museum, julio 19-sept. 24, org.: Jean Lipman, Richard Marshall). El
traslado de la muestra a Los Angeles le permite ver la colección de arte
gráfico expresionista alemán de Robert Gore Rifkind. Comienza a tomar motivos
aborígenes de los Estados Unidos.
1979. Ultimo
trabajo inspirado en obras surrealistas, inicia la serie basada en pinturas y
xilografías de expresionistas alemanes como Erich Heckel, Franz Marc y Karl
Schmidt-Rottluff. Primer encargo de escultura para espacio público: Mermaid (para el Miami Beach Theatre for the
Performing Arts). El 23 de mayo es elegido para la American Academy of Arts and
Sciences, New York.
1980. Recibe el Doctorado Honorario en Bellas Artes del
Southampton College, New York.
1981. Crea cuatro pinturas de mujeres evocando pinceladas a la
manera del expresionismo abstracto y tomando como referencia la tercera serie
de mujeres de De Kooning de fines de la década de 1950. Mayo 8-junio 28: muestra pinturas y esculturas 1970-1980 en el
Saint Louis Art Museum (org.: Jack Cowart); la muestra viaja a diversos museos
de los EUA, Europa y Japón.
1982. Comienza a combinar pinceladas sueltas con otras a la
manera del expresionismo abstracto. Inicia la serie de pinturas que incorporan
motivos de marcos, así como las series Painting
y Two Paintings, en las
que dos imágenes contratantes se ligan de manera ambigua por motivos de marco
simples o híbridos. Agosto 8-sept. 19: sus trabajos de 1961 Look
Mickey, Popeye y Wimpy (Tweet) son expuestos por primera vez,
en el Parrish Art Museum (Southampton, New York).
1983. Columbus, Ohio, adquiere Brushstrokes
in Flight para la entrada de su Aeropuerto Internacional. Se
publica el trabajo monográfico de Lawrence Alloway sobre el artista. Dic. 3-11:
crea un mural de 90 pies de largo
sobre uno de los muros de la galería de Castelli en Greene Street, donde
compila diversos motivos de sus primeros trabajos, sus cuadrenos de bocetos
compositivos, patrones Art Déco, espejos piramidales, naturalezas muertas y
figuras picassescas. Expuesto hasta el 14 de enero, luego es removido.
1984. Regresa a New York para trabajar parcialmente en un loft
del 105 East en la 29th St. En otonio inicia la maqueta para el Mural con Pincelada Azul a instalarse en el
lobby de la Equitable Tower, Manhattan.
1985. En noviembre inicia el Equitable
Mural, realizado en casi seis semanas.
1986. Salute to Painting, gran
escultura para exterior, es instalada en el Walker Art Center. En primavera
crea las pinturas Perfect and Imperfect,
compositivamente pura abstracción geométrica.
1987. Marzo 15-Junio 2: el Museo de Arte Moderno de Nueva York
expone la mayor retrospectiva de sus dibujos (org.: Bernice Rose), primera
exposición de dibujos de un artista vivo en el museo. La muestra viaja por los
EUA y Europa.
1988. Inicia la serie Reflections
en Southampton, incorporando citas de tiras cómicas previamente
utilizadas, motivo al que no acude desde la década de 1960. Se instala Coup de Pinceau, escultura de aluminio de 31
pies de altura, en la Caisse de Depots et Consignations, Paris. Ernst A. Busche
publica en Munich la primera monografía
dedicada a sus trabajos anteriores a la etapa Pop. Realiza Plus and Minus,serie basada en Mondrian. En
mayo fija residencia en un antigua fundición de hierro de 1912 de la Washington
St., Manhattan. Comparte su tiempo entre Southampton y Manhattan. Junnio:
recibe el Doctorado Honorario en Humanidades de su alma mater, la Ohio State
University. Nov. 16-mayo 19: Brushstroke,
escultura de aluminio pintado de 30 pies de altura, realizada en 1987, es
instalada en la Doris C. Freedman Plaza, Manhattan, como parte del proyecto del
Public Art Fund para emplazar instalaciones temporarias en espacios público
neoyorquinos.
1989. Marzo
15-mayo 15: realiza una residencia en la American Academy in Rome. En primavera
viaja a Tel Aviv para inciar el disenio de un mural
de 23 x 54 pies para el hall de ingreso del Museo de Arte de Tel Aviv. En verano
comienza a trabajar en Bauhaus Stairway,
versión magnificadas de un mural para el nuevo edificio de Ieoh Ming Pei, la
Creative Artists Agency, Beverly Hills. Nov. 7.: Torpedo... Los! es vendido en Christie’s
por el precio record de u$s 5.500.000.- para un artista vivo (compartido
con Jasper Johns y Wilhem de Kooning)
1990. Inicia la serie Interiors;
en algunos de estos trabajos comienza a utilizar la técnica de pintar con
esponjas. Sherrie Levine se apropia de varias de sus pinturas y grabados con
tiras cómicas en su trabajo Collage/Cartoon. Oct. 7-enero 15.: se
exponen por primera vez algunas revistas de historietas utilizadas como fuentes
para su trabajo en la muestra High and Low:
Modern Art and Popular Culture (The Museum of Modern Art,
org.: Kirk Varnedoe, Adam Gopnick), exposición de arte del siglo XX en la que
se incorporan fuentes materiales y objetos relacionados con las obras.
1991. Abril 2-junio 16: dos Interiors
se exponen en la Bienal del
Whitney Museum de New York. Abril 25: recibe el Premio a las Artes Creativas de
la Brandeis University. Mayo
15-oct. 31: en Battery Park City, Lower
Manhattan, se instala Modern Head,
una escultura de 32 pies basada en su escultura
de 1974 de metal, madera y poliuretano del Santa Anita Fashion Park,Arcadia, California.
En otoño, en colaboración con Saff Tech Arts, Oxford, Maryland, comienza a
realizar grabados en esmalte sobre acero inoxidable con marcos de madera
basados en las últimas Ninfeas de Monet.
1992. Julio:
inspirado en Gaudí, crea Barcelona Head,
una escultura de 64 pies de altura realizada con azulejos de colores, encargo
para las Olimpíadas de Barcelona,
instalada en el Puerto de Palos. Oct.:crea una escultura
basada en una máscara africana incluida en su pintura Interior with African Mask; realizada en la
fundición Tallix, en versiones de acero galvanizado, bronce bañado en estaño,
bronce bañado en zinc y peltre, en ediciones de seis ejemplares. Dic. 6-marzo
7: el LA Museum of Contemporary Art monta Hand-Painted
Pop: American Art in Transition, 1955-1962 (org.: Paul Schimmel,
Donna De Salvo), en la que se incluyen trabajos de Lichtenstein anteriores a
1960 como Washington Crossing the Delaware I
y varios dibujos semiabstractos de personajes de caricatura realizados en 1958
como Donald Duck; la muestra
viaja a otros museos de EUA.
1993. En mayo realiza con el Tintín del artista belga Hergé la
tapa para Tintin in the New World: a
Romance, libro de Frederick Tuten publicado por William Morris. Julio 9: recibe el Doctorado Honorario del Royal
College of Art, Kensington Gore, London. Julio-agosto:
crea Large Interior with Three Reflections,
mural tríptico de 30 pies de largo y tres paneles adicionales para la Revlon
Corporation de New York, en el que incluye su primer referencia a un desnudo
femenino; se exhibe por primera vez en octubre, en su retrospectiva del
Guggenheim Museum. Oct.: completa Brushstroke
Nude, escultura de aluminio pintado de 12 pies de altura
fabricada en Tallix; es montada por primera vez frente al Guggenheim, para su
retrospectiva. Oct. 8-enero 16: Roy Lichtenstein,
retrospectiva panorámica de su pintura y escultura en el Guggenheim Museum
(org.: Waldman); la muestra viaja al LA Museum of Contemprary Art, al Museé des
Beaux-Arts de Montreal; la Haus der Kunst de Munich, el Deichtorhallen de
Hamburgo; el Palais des Beaux-Arts de Brusellas y el Wexner Center for the Arts
de Ohio. Oct. 23-Nov. 27: Leo Castelli expone la nueva serie de pinturas sobre
Tintín. Nov.: Grrrrrrrrrrr!, su
pintura de 1965, aparece en la tapa de ARTnews.
Dic. 23: recibe el premio Amici de Barcelona del Alcalde de Barcelona,
Pasqual Maragall. Comienza una serie de desnudos
femeninos.
1994. Enero: Roy Lichtenstein:
The Artist at Work, de Lou Ann Walker y fotografías de Michael
Abramson, es publicado por Lodestar para ninios de 8-12 anios. Enero 13: es homenajeado en la 95th Annual
Artists Award Dinner en el National Arts Club,Manhattan. Mayo: revela sus diseños
para el casco y las velas del yate PACT 95, Young America; un ingreso en la
carrera para defender la Copa Americana, sobre el casco, es la imagen de una
sirena, la obra de mayor tamaño creada por el artista. Junio: completa un mural de 53 pies encargado para su intalación en
Times Square, New York. Oct.: The Prints of Roy
Lichtentein: A Catalogue Raisonne, de Mary Lee Corlett, es
publicado por Hudson Hill Press, en ocasión de su retrospectiva
de grabados que inaugura ese mes en la National Gallery of Art de Washington,
muestra que luego viaja al Los Angeles County Museum of y al Dallas Art Museum.
Nov. 19-dic. 17: Castelli muestra la
primera serie de desnudos. Nov.: Girl with Hair Ribbon de 1965 es vendido al
Tokyo Museum of Contemporary Art por u$s 6.000.000.-.
1995. Marzo 31:
el New York Times publica “At the Met with
Roy Lichtenstein”, por su jefe en crítica de arte, Michael
Kimmelman, dentro de una serie de entrevistas que reúnen a un artista de
relevancia internacional con aquella obra que más aprecian del Metropolitan
Museum of Art de New York. Junio 8: el artista dona su Composition III, 1995, trabajo basado sobre
el motivo de las notas musicales, a los Friends of Art and Preservation in
Embassies; 175 copias del grabado son repartidas en las embajadas
estadounidenses alrededor del mundo. Sept.
22: dedicación del Hoyt L. Sherman Studio Art Center en la Ohio State
University. Oct. 5: recibe la National
Medal of Arts en ceremonia de fala en Washington, D.C.; el premio es presentado
por el Presidente de la Nación y la Primera Dama, Mr & Mrs. Clinton. Nov.
10: recibe el Kyoto Prize de la Inamori Foundation, Kyoto, Japón. Tras ver la
muestra de paisajes de Degas en el Metropolitan Museum of Art (pasteles y
monotipos), comienza una amplia serie de trabajos a los que refiere como Chinese Landascapes. Crea sus últimos
trabajos de autorretrato a los que titula Coup
de Chapeau.
1996. Mayo 19:
recibe el Doctorado Honorario en Bellas Artes de la Washington University.
Sept. 21-oct.26: sus Chinese Landscapes son
expuestos en la Leo Castelli Gallery, su última exposición en vida. La National
Gallery deviene el mayor repositorio de grabados del artista tras recibir de
sus manos 154 piezas y dos de sus libros recorriendo su carrera entre
1948-1993. Inicia una serie de esculturas
basadas en pinceladas y chorreados. Continúa explorando el tema de los
interiores, algunos de los cuales denomina Virtual
Paintings, y que muestran varios delineados de color además de
sólo negro. Pinta Mickasso, una
versión picassiana de Mickey Mouse.
1997. Abril 30: es entrevistado
en New York por David Sylvester, última entrevista otorgada por el artista.
Mayo: Singapore Brushstroke,
última escultura exterior, comprendida por seis grandes piezas, es instalada en
Pontiac Marina, Singapur. Junio 15-nov. 9: sus nuevos trabajos, incluyendo House II de 1997, una construcción de fibra
de vidrio del exterior de una casa, se exponen Futuro,
Presente, Pasado, la exposición
curada en el pabellón italiano por Germano Celant, comisario general de la 47º Exposición Internacional de Arte Bienal de Venecia.
Sept. 5-oct. 7: la galería Lawrence de Zurich presenta nuevas pinturas
de interiores; la entrevista otorgada a
Sylvester es publicada en el catálogo. Sept. 29: el artista fallece en el New
York University Medical Center de Manhattan a causa de complicasiones
provocadas por una neumonía. Oct. 23-nov. 27: una muestra de seis nuevas
pinturas del artista en la galería Anthony d’Offay de Londres es acompaniada
por la publicación de Some Kind of Reality: Roy
Lichtenstein interviewed by David Sylvester in 1966 and 1997. Nov. 6-dic. 31:
la Richard Gray Gallery de Chicago presenta sus dibujos y esculturas recientes,
exhibicion planeada antes del deceso del artista y que incluía varios de sus
últimos interiores y construcciones de casas. Nov. 10: Christie’s vende Kiss II de 1962 a la Tokyo Fujii Gallery por
u$s 6.050.000.-
Trabajos
para espacios públicos
ESCULTURAS
·
House I, 1998
Fabricated and painted aluminium. 122 1/2 x 179 x 54 1/4 inches, National
Gallery Sculpture Garden, Washington D C
·
Singapore Brushstrokes,
1997. Painted and fabricated aluminum. Brushstrokes A-F (Six piece sculpture
installation): 20 feet to 40 feet range. Pontiac Marina, Singapore
·
Brushstrokes, 1996.
Painted and fabricated aluminum. 29 feet 5 1/4 inches x 13 1/2 feet x 7 1/2
feet. Long Island, New York
· Brushstroke, 1996. Painted and fabricated aluminum. 32 feet 3 inches x 21 feet x 6 feet (2 of 2). Installed at the Museo National Centro de Arte Reina Sofia, Madrid in conjunctionwith the travelling exhibition Roy Lichtenstein: All About Art in 2004.
· Brushstroke, 1996. Painted and fabricated aluminum. 32 feet 3 inches x 21 feet x 6 feet (1 of 2). Installed at the Hirshhorn Museum, Washington DC
·
Brushstroke, 1996.
Painted and fabricated aluminum. 32 feet 3 inches x 21 feet x 6 feet (2 of 2)
Installed in Zurich, Switzerland in 2003
·
Coup de Chapeau II, 1996 and
Galatea, 1990. Painted bronze. 89
x 30 x 1 7/8 inches. Painted and
patinated bronze. 89 x 32 x 19 inches. Jardin des Tulleries. Paris, France
·
Tokyo Brushstroke I y II, 1994. Painted and fabricated aluminum.
I: 33 feet x 9 feet x 7 feet 6 inches. II: 19 feet 6 inches x 8 feet 9 inches.
Tokyo, Japan
·
Mermaid, 1994.
Steel, fiberglass. Storm King Sculpture Park. Mountainville, NY
·
Barcelona
Head, 1992. Concrete and ceramic. 64 feet x 46 feet 7 inches. Barcelona, Spain
·
Brushstroke Group, 1988.
Painted aluminum. 390 inches x 95 1/2 inches x 93 inches. Steven Mazoh and
Company. New York City
·
Coup de Pinceau, 1988.
Painted aluminum. 360 inches x 204 inches x 90 inches. Caisse de Depots et
Consignations. Paris, France
·
Salute to Painting, 1986.
Painted aluminum. 25 feet tall. The Walker Art Center, Vineland Place.
Minneapolis, MN
·
Brushstrokes in Flight,
1984. Painted aluminum. 25 feet tall. Port Colombus International Airport.
Columbus, OH
·
Mermaid, 1979.
Concrete, steel, palm, water and other media. 252 inches x 132 inches. The
Miami Beach Theater for the Performing Arts. Miami, FL
·
Lamp, 1978. Painted bronze. 12
feet high. Gilman Paper Company Collection. St. Mary’s, GA
·
Modern Head,
1974/1989. Brushed steel. 31 feet x 13 feet x 8 inches.. New York City
MURALES
·
Times Square Mural, 1994.
Porcelain enamel on steel. 6 feet x 53 feet. Subway Station at 42nd
and Broadway. New York City (installed 2002)
· Large Interior with Three Reflections, 1993. Oil and magna on canvas. 137 inches x 367 13/16 inches total. Three panels on facing wall: 1.) 137 inches x 117 3/8 inches, 2.) 137 inches x 162 15/16 inches, 3.) 137 inches x 87 1/8 inches. Revlon Corporation. New York City
·
Bauhaus Stairway: Large Version, 1989. Oil and magna on canvas. 27 feet x 18 feet.
Creative Artists Agency. Beverly Hills, California.
· Tel Aviv Mural, 1989. Magna on canvas. Two panels: 7 meters x 8.4 meters
each with 6 meters between each panel. Tel Aviv Museum. Israel.
· Mural with Blue Brushstroke, 1986. Magna on canvas. 68 feet 3/4 inches x 32 feet 5 1/4 inches. Equitable Tower. New York City
· Greene Street Mural, 1983. Magna and silkscreen wallpaper. 18 feet x 95 feet 81/2 inches. Temporary installation at Leo Castelli Gallery. New York City
· Brushstrokes, 1970. Magna on plaster. Four walls total (two walls: 12 feet x 35 feet and two walls: 12 feet x 25 feet). School of Medicine, University of Dusseldorf. Dusseldorf, Germany
· Girl at Window, 1964. Oil and magna on plywood. 24 feet x 24 feet. 1964 Worlds Fair, Flushing Meadows, New York
CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA (Madrid). Roy Lichtenstein. All About Art.
Lugar:
Espacio Nouvel, Sala 1. Fechas: 25-06-2004 al 27-09-2004. Comisariado: Poul
Erik Tøjner. Exposición organizada por el Louisiana Museum of Modern Art,
Dinamarca. Coordinación: Verónica Castillo Díaz. Patrocinio: BANCAJA.
Roy
Lichtenstein, junto con Andy Warhol, fue el representante más destacado del
arte pop, un arte que cautivó la escena artística norteamericana a comienzos de
los sesenta y que en cierta medida nació como reacción contra el expresionismo
abstracto, siguiendo la trayectoria de artistas como Robert Rauschenberg y
Jasper Johns. Cuando preguntaron a Lichtenstein por qué pintaba cuadros de
cuadros, contestó que esto es lo que han hecho siempre los pintores de alguna
manera. Cuando en el pasado el pintor se sentaba frente a su modelo y la
pintaba, aspiraba a transformarla en un cuadro. Pero lo más importante, según
Lichtenstein, no era la modelo, sino el cuadro. Un buen artista quiere pintar
un buen cuadro y, de hecho, esa es la razón por la que se conforma con su
modelo como punto de partida.
Lichtenstein
dirigió su mirada en dos direcciones: el ingente archivo de pinturas de la
historia del arte y el banco descontroladamente creciente de imágenes
pertenecientes a la cultura contemporánea norteamericana. Según afirmaba el
pintor, las imágenes de la historia del arte sobresalen con tal fuerza que han
dejado una impronta en nuestras mentes a modo de logotipos artísticos.
Lichtenstein
también descubrió rápidamente el poder que ejercen las imágenes de la cultura
popular, ya se trate de la simple representación de un objeto -una cocina, unas
zapatillas de deporte, un perrito caliente o cualquier otro producto cotidiano
inanimado- o de una representación más ingeniosa, sentimentalmente hablando, y
melodramática de los sentimientos y los conflictos, dentro de cuya categoría
sobresalen las viñetas de cómic. En ambos casos Lichtenstein buscaba lo mismo:
una imagen clara y potente que la gente pudiera reconocer inmediatamente. Y sin
lugar a dudas sus cuadros son así, agudos, precisos, potentes en cuanto a color
y superficie. En ellos no hay lugar para la turbidez pictórica, no encontramos
«luces nórdicas» o crepúsculos románticos, pinceladas o brochazos, no hay
rastro del alma escéptica del pintor, de su mano temblorosa o su gesto
extasiado. Por el contrario, el universo de Lichtenstein es más bien frío y
mecánico, su habilidad artística se basa en el talento gráfico y la fuerza
compositiva.
Lichtenstein
quería señalar la importancia que reviste para el hombre moderno el poder
distinguir entre las imágenes y la realidad. Si empezamos a identificarnos con
todas las imágenes que están en circulación, acabaremos por desconectarnos de
la realidad, diría el pintor. Por ello Lichtenstein continúa pintando la
realidad de manera que parezca artificial, ya que solo así aprenderemos a
reconocer un modelo al verlo.
La
fascinación que el artista sintió toda su vida por la imagen como imagen y su
continua investigación en este sentido constituyen el tema principal de la
exposición Roy Lichtenstein: All about Art. Y esto se refleja claramente
en el cuantioso grupo de pinturas sobre los elementos físicos que sirven para
formar la imagen, como son los brochazos, los bastidores, los reflejos
especulares, las paráfrasis, las citas y otras referencias claras al proceso de
creación artística. Este grupo de pinturas se encuentra flanqueado por otros
dos grupos, las archiconocidas pinturas de la primera etapa pop de objetos y
clichés -representaciones icónicas planas de situaciones arquetípicas de la
cultura popular, así como de la transformación de las cosas en imagen tan
típica de la cultura del consumo-, y finalmente las pinturas que representan el
interés igualmente imperecedero de Lichtenstein por el espacio y la
espacialidad: los paisajes, las naturalezas muertas, los interiores y los
espacios psicológicos que con frecuencia nos muestra el artista haciendo un
claro guiño al surrealismo.
El hecho de que la
exposición presente una dimensión retrospectiva de su obra -desde 1961 hasta
1997, año de su fallecimiento- se debe a que Lichtenstein nunca abandonó su
interés por el papel central que desempeña la imagen en nuestra cultura. Su
atracción por esta noción y su esfuerzo por ahondar en ella son omnipresentes
en su obra y, por tanto, se han convertido en algo determinante de su estilo,
uno de los sellos característicos más inequívocos de la historia del arte. Y es
que todo el mundo puede reconocer un Lichtenstein cuando lo ve.
Esta
exposición, organizada por el Louisiana Museum of Modern Art, cuenta con
préstamos de extraordinaria importancia gracias a la contribución de muchos de
los museos más prestigiosos del mundo, como es el caso de la National Gallery
de Washington, la Tate Gallery de Londres, el SFMOMA de San Francisco, el MOCA
de Los Angeles, así como museos de ciudades como Frankfurt, Düsseldorf, Zúrich
y Basilea, además de la aportación de varias colecciones privadas con obras de
especial relevancia. La exposición no habría sido posible sin la decisiva
colaboración de la Roy Lichtenstein Foundation de Nueva York.
Junto con
Andy Warhol, Jim Dine, Claes Oldenburg, George Segal y James Rosenquist, uno de
los principales representantes del llamado pop art, corriente característica de
la plástica moderna, fue el estadounidense Roy Lichtenstein.
Aparecido
en Inglaterra a comienzos de la década de los cincuenta -luego se extendería a
Estados Unidos y otros países anglosajones, además de su variada repercusión en
el ámbito de otras tradiciones artísticas, entre ellas la nuestra-, el pop art,
basado en el uso de imágenes de la vida cotidiana y la comunicación masiva,
aporta una aguda crítica de la modernidad y sus vicios colectivos desde una
óptica desacralizante y una actitud de libertad irrestricta hacia todas las posibilidades
representativas de la imagen.
Roy
Lichtenstein y su obra constituyen un brillante ejemplo de esta revolucionaria
perspectiva artística. A un año de su muerte, el Museo del Palacio de Bellas
Artes tiene el honor de recibir su obra en la que seguramente es una de las más
importantes muestras que se le hayan dedicado hasta hoy dentro y fuera de
Estados Unidos.
Concebida
en colaboración con el mismo artista, quien fuera su más entusiasta promotor,
la presente exposición ofrece ciertamente una visión tan amplia como
representativa de la obra de Lichtenstein y de sus contribuciones al pop art.
La
atención hacia los medios de comunicación masiva, la desenfadada parodia de
motivos pictóricos y obras maestras del pasado, la recreación de objetos de uso
cotidiano y la asociación de las artes plásticas con el diseño gráfico e
industrial, entre otros intereses artísticos de Lichtenstein, se ponen de
manifiesto en más de 130 obras creadas entre 1952 y 1996, etapa en la que
alcanzó originalidad y madurez plenas: esculturas, pinturas y trabajos de
gráfica, que representan con gran fortuna el sentido del humor, la ironía y la
inclinación lúdica del artista, expresados a partir de juegos visuales
sugerentes, del uso y la combinación de materiales convencionales y poco
comunes y del tratamiento fresco y audaz de temas como la mujer, la naturaleza,
el cuerpo humano y la vida cotidiana.
Sean
estas obras que descubren su talento y una inventiva de amplios registros en
dominios y formas diversos, la revelación indiscutible, para nuestro público,
del mundo creativo de un artista que dejó ya su huella en el arte de la segunda
mitad del siglo xx.
*
El desarrollo del arte a través de la historia ha hecho tambalearse
algunas corrientes tradicionales y ha puesto en riesgo muchas otras en proceso
de maduración, específicamente en este siglo, a partir del cual los canones han
sido tantos y tan variados que los creadores y los espectadores han tenido que
modificar sus percepciones, así como la manera de componer el espacio dentro de
los cuadros y de la mente misma.
Roy
Lichtenstein fue uno de esos magos que nos obligaron a realizar nuevas lecturas
de la obra plástica, con su intensa búsqueda de un lenguaje propio y
propositivo, entre sus influencias podemos encontrar la Escuela de Nueva York,
pero sobre todo encontramos los elementos que de alguna forma fueron dando
identidad a los Estados Unidos de Norte América.
La
publicidad y el comic se convirtieron para Roy Lichtenstein en elementos
necesarios para el desarrollo de su lenguaje, para la composición de su obra,
que a su vez abrió un camino muy interesante hasta su público, de alguna
manera, por su perfecta integración en lo real, fue el primer paso hacia la
estética colectiva y hacia la socialización del arte, preámbulo necesario de un
humanismo moderno.
El
surgimiento de la televisión y el avance de los medios de comunicación dieron
pie a Roy Lichtenstein a integrar en su obra su muy particular percepción de la
sociedad nortemericana y sus conocimientos plásticos, teniendo como resultado
un objeto plástico y crítico al mismo tiempo de lo estético y del consumidor.
Las
mujeres fueron para él un constante objeto de trabajo, estan plasmadas de
frente de perfil, con lágrimas y sin ellas, dándoles por supuesto un lugar
diferente dentro de la sociedad; por otro lado podemos encontrar naturalezas
muertas, vasos y lámparas transformadas por el color y el dedo mágico de
Lichtenstein.
Su paso por este siglo es sin duda trascendente,
compaginador y escenógrafo de naturaleza moderna y de realidad urbana.
www.de artesypasiones.com.ar ©DNDA Exp. N° 340514
ROMERO, Alicia, GIMÉNEZ,
Marcelo (sel., trad., notas) [2005]. “Roy Lichtenstein”, en ROMERO,
Alicia (dir.). De Artes y Pasiones. Buenos Aires: 2005. www.deartesypasiones.com.ar.
[1] Tomados de la cronología realizada por Clare Bell con
materiales adicionales provistos por la Lichtenstein Foundation. www.lichtensteinfoundation.org
[2] Creado
en 1934 por el legendario artista de la historieta Alex Raymond, la serie
radial debutó en 1935 bajo el Mutual Broadcasting System, esteralizada por Gale
Gordon como Flash. Como Buck Rogers, la serie radial estaba destinada a
una audiencia juvenil. La trama de las historias era en blanco y negro y casi
historietística en su dramatización. A diferencia de Buck Rogers, su
contraparte, Flash Gordon era producto de una sociedad futura. Con la
tierra perdida para ser destruída por el planeta Mongo, Flash es
inesperadamente enviado con su novia Dale Arden en una nave comandada por el
Dr. Zarkov, quien está intentando salva su planeta natal. Es en Mongo donde el
trío encuentra al mortífero Ming, su hermana -la princesa Aura- y al Hombre
Halcón.
[3]
Presidente del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.
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